Post Quadern

Cross references

2012-02-12T14:54:00.000-08:00

CR24 de Jaume Orejuela.

Transparent Screen

2011-05-09T03:12:00.001-07:00

Transparent Screen, una expo en Flickr.

http://flic.kr/y/gFh2FF

2011-03-19T03:52:00.001-07:00

Gómezdelacuesta

Vilaweb - Acn

2009-12-02T03:43:00.000-08:00

Vilaweb - Acn

all iPhone unlocks and jailbreaks are free

2009-11-01T06:47:00.000-08:00

On the iPhone: "all iPhone unlocks and jailbreaks are free"

2009-10-03T08:04:00.001-07:00

Color by COLOURlovers

Official Google Blog: Introducing the Google Chrome OS

2009-07-08T04:03:00.000-07:00

Official Google Blog: Introducing the Google Chrome OS

Dibuix a l'espai i dibuix escultòric.

2009-02-24T11:32:00.000-08:00

Fotografia de Picasso dibuixant a l'espai.

Dibuix a l'espai i dibuix escultòric.

Definició de fotograia de la Viquipèdia en català.
La fotografia és la tècnica de gravar imatges fixes sobre una superfície de material sensible a la llum basant-se en el principi de la càmera obscura. En la càmera obscura s'aconsegueix projectar una imatge nítida captada per una lent o un conjunt de lents sobre una superfície. Per emmagatzemar aquesta imatge les càmeres fotogràfiques utilitzaven fins fa uns anys exclusivament les pel·lícules sensibles; en canvi, ara s'empren també sensor digitals.
La paraula fotografia prové del grec i significa "dibuixar amb la llum" (de photós , llum, i graphe, escriptura).
La fotografia es pot classificar sota la més àmplia denominació de tractament d'imatges i, per aquesta raó ha fascinat tant a científics com a artistes des dels seus inicis. Els científics, sobretot, han aprofitat la seva capacitat per plasmar amb precisió tot tipus de circumstàncies i estudis, com els de la locomoció humana i animal d'Eadweard Muybridge (1887). Els artistes també han estat seduïts per aquests aspectes però han tractat sempre d'anar més enllà de la simple representació foto-mecànica de la realitat.

1ra sessió - 24 de febrer de 2009

1ra Activitat,
Visionat del vídeo de Picasso dibuixant en l'espai.
Visionat del vídeo més recent de Graffiti Research Lab a Youtube.
Visionat del mural del grup "light painting" a flickr.

2na Activitat
A partir del material visionat realitzar esbossos per a una fotografia creativa. 10 mínim 20 màxim. Dibuixos o escultures fetes amb materials adequats p.e. filferro.

-------
(a casa)

3ra activitat
3.1 Prendre exemples
Visionar la cerca a flickr de les paraules escultura i dibuix en varis idiomes. Català, castellà, angles.

Enviar un correu electrònic a jaumeorejuela@yahoo.es amb els links a les imatges que l'alumne trobi interessant. 3 mínim, 6 màxim.

3.2 Visionar a flickr la presentació del mural del grup "Light Painting"
*per al dia següent:
Preparar el material necessari per portar a terme la fotografia. Llenternes, encenedors, mòbils, fonts de llum en general.
---------
2na sessió - 26 de febrer de 2009
4ta activitat
Experimentar amb les càmeres fotogràfiques, fer fotografies de llarga exposició, o sigui, a partir d'un segon a l'Aula plató 16 - 18

5ta activitat
Preparar el material necessari per portar a terme la fotografia. Llenternes, encenedors, mòbils, fonts de llum en general.

Realitzar la fotografia a un espai adequat.

Entrega per a dia 5 de març:

Esbossos elaborats i la imatge fotogràfica definitiva, si pot ser emmarcada.

Contingut a presentar en el .pdf o .ppt
- Fotografia final
- Recull de totes les fotografies fetes.
- Breu memòria descriptiva del treball
Vies de presentació
- Digital; .ppt o pdf.
- En paper, DinA4 en color enquadernat.

Continguts
- Identificació dels nexes i de la sintaxi dels elements utilitzats en la imatge.
- Reconeixement dels elements visuals, estructurals, materials i dinàmics que
configuren l'objecte o cos volumètric: moviment, ritme, tensió, proporció,
orientació, llum i espai

Objectius:
- Creativitat en la realització de composicions tridimensionals amb llum
- Expressar idees mitjançant la narració plàstica tridimensional.
- Analitzar les manifestacions plàstiques tridimensionals.
- Desenvolupar una actitud reflexiva i creativa sobre les aportacions contemporànies en la concepció de la forma tridimensional i de l'espai.

En busca del catálogo perdido

2009-01-29T00:07:00.000-08:00

Originalment a EL PAIS - ENRIQUE VILA-MATAS

1. No sé quién dijo que la cultura comienza con la lectura de catálogos de libros. Es muy posible. Es más, conocí una vez a alguien muy culto que era un experto en inventarios de todo tipo y los coleccionaba con una pasión tan desbordante que siempre sospeché que únicamente leía eso. Llevo años construyendo un catálogo de lo que me gusta y lo que no me gusta. Es un extenso y meticuloso inventario de amores y repulsiones, que algún día creo que publicaré: habrá sorpresas.Me acuerdo de la lista que hizo Barthes en su libro autobiográfico: "Me gusta: la lechuga, la canela, el queso, los pimientos, Haendel, los paseos mesurados, la sal cruda, las novelas realistas, el piano, el café (...) No me gustan: los perros falderos blancos, las mujeres en pantalones, los geranios, las fresas, el clavicordio, Joan Miró, las tautologías, los dibujos animados, los mediodías, la fidelidad, las veladas con gente que no conozco...". Es verdad que la lista de lo que nos gusta carece de importancia para la mayoría de la gente y aparentemente, además, no tiene sentido. Y sin embargo, decía Barthes, ese me gusta y ese no me gusta significa algo; quiere decir que nuestro cuerpo no es igual a los otros cuerpos y que podría hablarse de una especie de intimidación del cuerpo, que obliga al otro a soportarnos liberalmente, a permanecer silencioso y cortés ante goces o rechazos que no comparte.

No podemos matar al otro porque nos moleste su forma displicente de mirar al mar, por ejemplo. Y en cambio, sí matamos tranquilamente a una mosca si nos fastidia. Y si no la matamos, dice Barthes, es por puro liberalismo. Total: que somos liberales para no ser asesinos. Eso me recuerda que ayer, en la sesión televisada del Parlament, oí a un orador que, a propósito del problema universitario, recurrió a la expresión "velocidad de crucero" para decir no sé qué sobre el plan de Bolonia. Lo hubiera matado. Me saca de quicio que se utilice esa expresión, "velocidad de crucero", para cualquier cosa. Me parece una horterada y no sé bien por qué. Lo cierto es que no soporto oír a alguien decir "velocidad de crucero" y he incluido esa expresión en mi lista de cosas que no me gustan, esa lista que me impide ser un asesino. Digo en ella que no me gustan los cínicos, los regalos navideños, Esperanza Aguirre, los sobacos, la gente interesada, los que emplean la expresión "velocidad de crucero"... Y que me gustan, en cambio, Bob Dylan, la curiosidad intelectual, la música de Nouvelle Vague, las rosas, el libro Veinte cosas que nos convierten la vida en un infierno, publicado en Francia por Dominique Noguez, un antiguo compañero de juergas. Noguez ha hecho un catálogo razonado de todo aquello que le produce leves malestares graves y dice que no le gustan los atascos, los dentistas, los corsos, los perros agresivos, las huelgas de transportes, las encuestas, las endoscopias...

2 - Me gustan -Barthes pudo inspirarse en ellas- las siempre geniales listas que Perec llevó a cabo, pero también los que tenía proyectado realizar, como por ejemplo aquel inventario de todas las camas en las que había dormido fuera de su casa a lo largo de toda su vida. Hay en la obra de Perec, gran hacedor de catálogos, una reiteración obsesiva de descripciones de objetos y creo que nos bastaría con las que podemos encontrar en su extraordinario La vida, instrucciones de uso para poder fabricar un libro que podría ser un animado gran inventario de objetos de todo tipo acumulados en un solo inmueble de París. La propia obra de Perec tiene la vocación del catálogo, que es muchas veces una forma de imponer un orden arbitrario al mundo. Y creo que Perec, además, veía ese mundo como un catálogo perdido.Si nos convertimos en hacedores de un catálogo, veremos que éste siempre nos sobrepasa y que, además, es recomendable no agotarlo y permitir que los lectores te reprochen haber dejado de lado muchos nombres o datos. Que alguien te avise muy ufano de que te olvidaste del coleccionista Walter Benjamin, por ejemplo. Sospecho que esta norma de no completar los inventarios la han seguido a la perfección los creadores de este sorprendente Catálogo ragionato di libri introvabili (Catálogo razonado de libros inencontrables) que he vuelto a leer estos días; un libro que Jordi Llovet calificó en su momento de "fabuloso, incomparable, una de las cimas de la literatura burlesca de los últimos cien años". A Perec también le habría encantado todo lo que contiene ese libro: referencias bibliófilas al Quijote de Pierre Menard; Quadern verd, de Jusep Torres Campalans; todos y cada uno de los libros inventados por Bolaño en La literatura nazi en América; una perla titulada Retrato del autor visto como un mueble, siempre, de Georges Perec; Enciclopedia de las ciencias inexactas, de Henri Chambernac; Eclipses littéraires, de Robert Derain (París. M. Maniere, 2000, 13,50 euros); bromas cargadas de malicia como Le facteur chouette et la derridance, de Jacques Derrida, o el libro de Roberto Benigni Los espárragos y la inmortalidad del alma (6,20 euros); un tratado sobre las narices, escrito por Hafen Slawkenbergius (Londres, Letters, Yorick 1761)... Todos estos libros y 300 más son clasificados en este volumen sobre textos que sencillamente no existen, pero que están ahí perfectamente catalogados. El libro incluso contiene una foto de la bella Rita Malú, un personaje que me es muy familiar, pero que creía que no existía. Lo que sí ya puedo asegurar que existe es Catálogo ragionato di libri introvabili, volumen publicado por Zanichelli, editores de Bolonia. Contiene un apéndice magnífico que comenta las bibliotecas imaginarias de Laurence Sterne, del capitán Nemo, de Edgar Allan Poe, del enigmático Vilém Vok y de Giorgio Manganelli, entre otros.

dossier 2007-2008

2009-01-26T04:26:00.000-08:00

Get your own - Open publication

Museos del Sur

2008-12-20T06:56:00.000-08:00

MANUEL BORJA-VILLEL, originalment a EL PAÍS

La nuestra es una época de crisis que, según Immanuel Wallerstein, es sistémica. Por ello es importante que los museos elaboren paradigmas históricos que nos ayuden a entender mejor el mundo en que vivimos. Necesitamos comprender el presente con relación al pasado y pensar las posibilidades que el futuro nos depara. El museo tiene la obligación de apuntar a ciertos caminos y no a otros. Y esa elección nunca puede ser técnica ni dictada por una racionalidad formal, sino que entraña lo que Max Weber denominó racionalidad substantiva. Cuando el "todo vale" es la norma y la confusión de ideas es general, esta elección o serie de elecciones se perciben a veces como rígidas, elitistas o dogmáticas. Cuántas veces hemos oído las voces apesadumbradas de aquellos que piden una especie de eclecticismo de nuevo cuño como forma de salvaguardar una pretendida democratización de la cultura. Sin embargo, la racionalidad substantiva es todo lo contrario, es el ejercicio de reconciliar lo que aprendemos de la ciencia y la moralidad y denota siempre una elección ética.

La modernidad no comienza en el siglo XVIII, sino en el XVI con la conquista de América

La mayoría de la humanidad no goza de nuestros "avances" técnicos y culturales, sino que constituye el Sur geopolítico del que habla Enrique Dussel y representa la otra cara de la modernidad. Ese Sur no está situado en un periodo pre o posmoderno, el tiempo anterior a una modernidad que se realizará en cuanto se apliquen los mismos criterios que han servido para Europa y Estados Unidos. No se trata del estadio menos evolucionado de un proceso único, porque estamos en un mundo en que el centro presupone la periferia y viceversa; y el desarrollo del primero está totalmente relacionado con el de la segunda. El problema reside en que esta otra modernidad es subalterna, no tiene voz. Ha de acatar nuestras reglas, ya que se considera que éstas son generales.

La concepción modernista de la historia buscó sus orígenes en la Ilustración, en la razón pura de Kant, que indica una visión del mundo idealista y eurocéntrica. La modernidad se inició con la expansión de Europa en el mundo y con la centralidad que ésta se autoconfirió, por la que no sólo dominó el sistema mundo, sino que ignoró la existencia del Otro. Europa imaginó su historia particular como si fuese universal y lo que realizó como centro de poder se lo atribuyó a su propia creatividad, como sistema cerrado, autónomo y autorreferencial. Nunca se definió como un centro hegemónico desde donde se controlaba la información, se procesaba el aprendizaje y se edificaban las instituciones que permitían una mayor acumulación de riqueza en la metrópoli, explotando sistemáticamente a la periferia. No advertirlo es obviar la violencia de la colonización europea.

La forma de romper este orden discursivo consiste en que la razón instrumental vaya acompañada de un criterio ético, que es siempre exterior al poder establecido y habilita la interpelación de la Totalidad por el Otro. La interpelación -el acto del habla que le permite hablar al que queda fuera de nuestra construcción discursiva, es decir, al que está afuera de nuestro sistema de inteligibilidad- es el momento de esa exterioridad, de un ser otro, diferente de la comunidad institucional oficial que sólo defiende sus intereses. Esta exterioridad no niega la comunidad, sino que la descubre como lugar de convergencia de personas y grupos libres para estar en desacuerdo. El interpelar, al actuar siempre desde el exterior del derecho vigente, se opone por definición al consenso y a la historia que excluye; y su argumentación es siempre radical y difícilmente aceptada. Si el discurso oficial deja al dominador del centro en total inocencia de las posibles crueldades cometidas en la periferia durante la modernidad, la interpelación las denuncia.

¿Qué pasa, sin embargo, si sustituimos el ego cogito de Descartes por el ego conquiro de Hernán Cortés? Nos damos cuenta de que la modernidad no comienza en el siglo XVIII, sino en el XVI con la conquista de América por los reinos peninsulares. Es entonces cuando se produce lo que Marx denominó acumulación originaria y se empieza a conformar la organización mundial actual. Si esto es así, deberíamos pensar que no existe una única modernidad, sino múltiples y que éstas son interdependientes entre sí, a la vez que tienen impulsos diversos y se pueden originar en momentos distintos. También tendríamos que reconocer que, en el plano artístico, una de estas modernidades, al menos la relacionada con el mundo iberoamericano, empieza con el barroco, esto es, con una cultura teatral, basada en la multiplicidad y el pliegue. De esta forma, manifestaciones plásticas como las de Lygia Clark, Hèlio Oiticica o Gego tienen su sentido, no tanto porque sean artistas fundamentales para entender la modernidad que nos ha venido dada desde Europa y Estados Unidos, sino para aprehender otras prácticas estéticas y políticas.

¿Qué hacer ante un pasado en el que no nos reconocemos y un presente que no nos gusta? ¿Cuál es la función del museo en el mundo contemporáneo? ¿Existe alguna alternativa al museo moderno o al que responde a la cultura del espectáculo? Me gustaría pensar que sí. El museo se mueve entre la subversión y la absorción, la pasividad contemplativa y la ruptura activa, el Estado y la multitud, la creación y el mercado. Por un lado, es cierto que es muy difícil pensar que las formas artísticas puedan abolir las fronteras; pero, por otro, también lo es que sirven para desplazarlas. En un tiempo en el que todos los centros de arte han entrado en una espiral sin límites hacia la ampliación de edificios y franquicias, en que el capitalismo ha alcanzado una expansión que no conoce fin, quizás ha llegado la hora de un cierto repliegue, en el sentido que Pasolini le daba al término: no un giro hacia adentro, sino hacia afuera. La atención a la frágil vida de los cuerpos, la hostilidad hacia la cosificación de nuestra existencia, la manifestación explícita de la desaparición de la frontera entre lo público y lo privado son algunos de los elementos más interesantes de incisión política.

El Museo Reina Sofía está hoy en una situación privilegiada para desempeñar un papel importante porque, a diferencia de los otros grandes centros de arte europeos y americanos, está todavía por hacer. Su estructura no se halla aprisionada por el corsé modernista, ni ha sido todavía absorbida por la cultura del espectáculo. Más aún, en ese Sur del que hablamos, en el que las instituciones son muy endebles, tiene la obligación política de proponer y promover una alternativa. Ésta se centraría en tres aspectos:

a) Una(s) narración(es) alternativa(s) a la historia moderna.

b) Nuevas formas de intermediación.

c) La consideración del espectador no como un sujeto pasivo ni consumidor, sino como agente, un sujeto político.

Un gran número de culturas tiende a fundamentar la historia de su arte y literatura en unos textos fundacionales que, al definir la naturaleza de su propia comunidad, tienen algo de sacralizado, absoluto y excluyente. Éstos asientan el núcleo de lo que en su momento se percibió como una comunidad amenazada a partir de la segregación de toda divergencia. Ése ha sido, sin duda, el origen de las grandes narraciones que han constituido la ideología dominante durante los siglos XIX y XX. Como sostiene Edouard Glissant, estos relatos, derivados de la escritura épica y casi escritos al dictado de los dioses, están íntimamente ligados con el objeto cerrado, la trascendencia, la inmovilidad corporal y con una especie de tradición de la consecución, que denominamos pensamiento lineal. Hoy, por el contrario, no resulta ya posible garantizar este tipo de unidad formal, impensable en un mundo que se ha hecho pequeño y en el que es perentoria la necesidad de inventar múltiples formas de relación que cuestionen nuestras estructuras mentales. Propugnamos, pues, una identidad relacional que no es única y atávica, sino rizomática, esto es, de raíz múltiple. Ésta comporta la apertura al otro y plantea la presencia de otras culturas y modos de hacer en nuestras propias prácticas, sin miedo a un hipotético peligro de disolución.

La historia ha pasado de escribirse como si estuviese constituida por grandes continentes a ser una especie de archipiélago. El autor entra así en tensión, al tratar de reflejar y relacionarse a la vez con su comunidad y con el mundo. El arte busca simultáneamente el absoluto y su opuesto, es decir, la escritura y la oralidad. No narramos ya desde la palestra privilegiada de la voz única, sino inmersos en una multiplicidad de micronarraciones cuya consecuencia es una nueva cartografía del arte. Ahora ya no se puede decir que Nueva York le robó a París la idea del arte moderno, porque ésta surge en múltiples sitios y porque no hay nada que robar, sólo relaciones que establecer y hacer visibles. Artistas que en la historiografía tradicional podían ser considerados secundarios, derivativos o simplemente tardíos, como Georges Vantongerloo o Mira Schendel, alcanzan su dimensión más compleja. Tienen poco que ver con las búsquedas modernistas y mucho, en cambio, con la fragilidad y expansividad de lo oral.

¿Cómo crear una memoria desde la oralidad? Teniendo en cuenta que coleccionar objetos significa a menudo transformarlos en mercancía, ¿cómo exponemos eventos sin que éstos sean fetichizados? ¿Cómo idear un museo que no monumentalice lo que explica? La respuesta pasa por pensar la colección en clave de archivo. Ambos son repositorios de los que muchas historias pueden ser extraídas y actualizadas. Pero, el archivo las "desauratiza", ya que incluye en el mismo nivel documentos, obras, libros, revistas, fotografías, etcétera. Rompe la autonomía estética, que separa el arte de su historia, replantea el vínculo entre objeto y documento, abre la posibilidad al descubrimiento de territorios nuevos, situados más allá de los designios de la moda o el mercado, e implica la pluralidad de lecturas. La correspondencia que se genera entre el hecho artístico y el archivo produce desplazamientos, derivas, narraciones alternativas y contra-modelos. Nos devuelve el conocimiento y la experiencia estética, y también la posibilidad de aprehender un momento histórico de un modo parecido al que explicaba Peter Weiss en La estética de la resistencia.

El archivo es un topos -un lugar- y un nomos -una norma-, ya que tiene el poder de interpretar los elementos archivados que dice esa ley, la recuerdan y llaman a su cumplimiento. El archivo no sólo garantiza la seguridad física del depósito y del soporte sino que también tiene competencia hermenéutica sobre los mismos. Una ciencia del archivo debe incluir, por tanto, la teoría de esa institucionalización, es decir, de la regla que comienza por inscribirse en ella y a la vez del derecho que la autoriza. Éste fija los límites declarados infranqueables, ya se trate del derecho de las familias o del Estado, los lazos entre lo secreto y lo no-secreto, o, lo que es lo mismo, entre lo privado y lo público, se trate del derecho de propiedad o de acceso, de publicación o de reproducción, de clasificación o de la puesta en orden. La democratización efectiva se mide siempre por este criterio esencial: la participación y el acceso al archivo, a su constitución y a su interpretación. Dar voz al otro significa que éste tenga capacidad de archivar y repensar su propia historia, de contárnosla. La solución pasaría por la constitución de un archivo universal, una especie de archivo de archivos, que no sólo sirviese para cuestionar la propiedad, sino también para dar voz, y escuchar, al que no la tiene.

Las historias requieren de una comunidad que las transmita, de mentes en las que reproducirse, de un terreno de cultivo que les permita evolucionar. Si no quieren mantener su carácter aurático, las narraciones han de cuestionar la noción de autor y renunciar a la idea del genio romántico. Ya no podemos pensar la historia como una sucesión de grandes personajes, ni siquiera como el individuo nómada del momento multicultural, sino como una muchedumbre de secundarios, la multitud anónima e hirviente de sucesos, destinos, movimientos y vicisitudes. El autor es un vehículo a través del cual la "biblioteca" de una comunidad busca replicarse a sí misma.

Es importante que estas historias se multipliquen y circulen lo máximo posible. Si el sistema económico de nuestra sociedad se basa en la escasez, lo que permite que los objetos de arte alcancen unos valores desorbitados, la nueva narrativa se sienta en el exceso, en una ordenación que escapa al criterio contable. En este caso, el que recibe las historias es sin duda más rico, pero el que las cede (narra) no es más pobre. Se trata de constituir federaciones de comunidades libres, un proceso que parte desde abajo y habla de autonomía más que de la toma del poder estatal. No se intenta ya educar a un Estado/nación de un modo uniforme. Tampoco se quiere evitar el vínculo con las instituciones, sino establecer redes y descubrir terrenos nuevos para las prácticas antagónicas. No basta con quejarse de la ingeniería de consenso que se nos impone, sino de manejar sus mentiras, ofreciendo unos mitos y preconstituyendo el terreno sobre el que se distorsionarán los hechos, con el objetivo de reconducir esa distorsión y producir desplazamientos de sentido. -

Guerra, diáspora, racismo... arte

2008-12-20T06:44:00.001-08:00

Cuatro jóvenes artistas africanas simbolizan con su obra los males del continente

Originalment a El País
En una de las escenas más famosas de Adivina quién viene a cenar esta noche, de Stanley Kramer, Sidney Poitier suda la gota gorda mientras soporta las miradas recriminatorias de sus blanquísimos futuros suegros. Billie Zangewa (Malawi, 1963) ha recreado esta escena en un cuadro y lo ha titulado La inquisición. El protagonista es aquí igual de negro que Poitier.

"Están convencidas de que a través de su obra lograrán lo que se propongan"

Con mucho sentido del humor y con un dominio primoroso de las sedas, Zangewa plasma la situación de discriminación que sufren en el mundo las mujeres de su raza. Es una de las cuatro jóvenes artistas africanas que exponen en la sede de Casa África en Las Palmas hasta el 27 de febrero. Las otras tres son Aïcha Aïdaira (Senegal, 1969), Bill Kouélany (República del Congo, 1965) y Otobong Nkanga (Nigeria, 1974). La muestra está arropada por una serie de encuentros con escritoras africanas, conciertos y cine.

Las cuatro están convencidas de que a través del arte conseguirán lo que se propongan. Es su llave para entrar en otros mundos y difundir la esencia y la esperanza de África. Están seguras de que ser negras y mujeres no determina una forma de crear, pero sí reconocen una forma común de aunar tradición y modernidad. La guerra, la diáspora, el miedo y la ecología son algunos de los temas a los que se enfrentan estas artistas.

Danielle Tilkin, historiadora experta en África, es la comisaria de la exposición titulada Re/presentaciones: Ellas, explica que ha escogido a estas artistas porque ha ido conociendo su obra a través de expertos que habían tenido la ocasión de ver sus trabajos en algún acontecimiento internacional.

Tilkin, gran conocedora de la obra de Louise Bourgeois, entre otras grandes artistas del siglo XX, cuenta que desde hace más de veinte años quiere hacer una gran exposición centrada en la forma de crear de las mujeres. "Sigo intentando que algún gran museo se interese y, mientras, ayudo a descubrir talentos como el de estas jóvenes creadoras".

Cuando se le pregunta sobre lo que este cuarteto tiene en común, la comisaria señala la forma de combinar tradición y modernidad. Por ejemplo, las telas, los tejidos tan importantes en la cultura africana están aquí muy presentes. La senegalesa Aïcha Aïdaira utiliza retales de paños para contar historias íntimas. "En Senegal", explica, "el paño es algo tan sagrado que sólo lo tejen los hombres. Nosotras podemos manipularlo, pero sólo ellos son los encargados de tejerlos". Sus retales reproducen un telar, esa es su forma de transgredir la realidad.

Otra curiosa constante en las piezas expuestas es la presencia de las agujas. La obra de la nigeriana Otobong NKanga se centra en las agresiones que sufre el planeta. Protesta contra la explotación abusiva de los recursos naturales con piezas en las que atraviesa los troncos de los árboles con una lluvia de agujas de coser.

La congoleña Bill Kouélany entra de frente en el tema de la violencia y exhibe una serie de obras con siluetas masculinas cuyas piernas y brazos adoptan formas de armas letales. Son hombres que caminan a lo lejos con aire desafiante. La misma amenaza que sufre su continente y, de manera especialmente dura, las mujeres africanas.

Los artistas plásticos ya tienen su ley de derechos de autor

2008-12-18T04:22:00.000-08:00

La Comisión de Cultura dará curso este jueves a una nueva normativa de propiedad intelectual - Los creadores cobrarán por la reventa de sus obras

Originalment a El País

unque muy poca gente lo sabe, los artistas también cobran derechos de propiedad intelectual cada vez que se revende una obra suya más allá de la primera transmisión. Para ser más exactos, deberían cobrarlos, pues así lo recoge la Ley de Propiedad Intelectual vigente: el 3% siempre que el importe de la operación supere los 1.800 euros. "Pero en la práctica, sólo lo aplicaban algunas casas de subastas", explica Rafael Simancas, presidente de la Comisión de Cultura del Congreso.

Los galeristas creen que la reforma puede perjudicar a los jóvenes

"No es lógico pagar si en la venta se pierde dinero", dice Soledad Lorenzo

Las cosas van a cambiar a partir del próximo jueves: la comisión tiene previsto aprobar ese día la ley relativa al derecho de participación en beneficio del autor de una obra de arte original. Tiene competencia legislativa plena, lo que supone que el texto irá directamente al Senado, sin necesidad de pasar por el pleno del Congreso. Es la transposición de una directiva europea que debería haberse incorporado a la legislación española en 2006.

¿Qué cambia la nueva norma? En primer lugar, define de forma explícita qué operaciones generan derechos para los artistas: todas las reventas "en las que participen, como vendedores, compradores o intermediarios, profesionales del mercado del arte tales como salas de venta, salas de subastas, galerías de arte, marchantes de obras de arte y, en general, cualquier persona física o jurídica que realice habitualmente actividades de intermediación en este mercado".

Es decir, quedan fuera tan sólo las operaciones que se realicen directamente entre particulares, "que actúen a título privado, sin la participación de un profesional del mercado del arte". Además, según la nueva legislación, los artistas ya no cobrarán un porcentaje fijo -el citado 3%- de las reventas de una obra plástica más allá de la primera transmisión, sino un porcentaje variable que se calcula por tramos (véase el cuadro adjunto). El derecho surgirá siempre que el precio de la reventa supere los 1.200 euros y en ningún caso el importe total del royalty superará los 12.500 euros. Según la ley, el derecho de participación es "inalienable, irrenunciable, se transmitirá únicamente por sucesión mortis causa" y se extinguirá a los 70 años de la muerte del autor. En caso de que los derechos de participación no se paguen porque no haya identificado a sus titulares ni se hayan reclamado, pasarán a engrosar el Fondo de Ayuda a las Bellas Artes. La única circunstancia que no dará pie al cobro de derechos de autor será la reventa de obra adquirida por el vendedor directamente al autor, siempre que no hayan pasado más de tres años desde ese momento y el precio de la operación no supere los 10.000 euros.

La tramitación de la ley no ha estado exenta de polémica. Los primeros detractores del derecho de participación son los galeristas, que consideran que el derecho de participación se acaba convirtiendo en una tasa que encarece el precio final. "La ley mete en el mismo saco a las galerías y a las grandes casas de subastas", se queja Fernando Cordero de la Lastra, de la galería La Caja Negra. "Nosotros tenemos una relación profunda con el artista, lo promocionamos, elaboramos sus catálogos... No somos un mero establecimiento mercantil", añade. Su colega Guillermo de Osma apunta que muchos galeristas pueden sentirse tentados de no comprar obras de sus artistas para evitar que se genere el derecho si las piezas se revenden, lo que va en detrimento de la labor de promoción de los artistas, sobre todo de los más jóvenes: "Al final, te puedes hacer más conservador y no compras obra de creadores no conocidos".

Para Soledad Lorenzo, lo más cuestionable de la ley es que el derecho se aplica sobre el precio de la reventa, pero no se tiene en cuenta si esa operación ha generado un beneficio o una pérdida para el vendedor: "Nosotros habíamos pedido que se calculase sobre la plusvalía, en caso de que la hubiese. No es lógico que, además de tener pérdidas en una venta, haya que pagar el derecho".

Los legisladores, por el contrario, sí que han eliminado en las últimas semanas del borrador del proyecto de ley uno de los puntos más controvertidos del texto: que la gestión del derecho de participación debería hacerse a través de entidades de gestión de derechos de propiedad intelectual. Esto, en la práctica, concedía el monopolio en este campo a la Vegap, la sociedad que en España se ocupa de la gestión de los derechos de autor de los creadores visuales. Al final, esta afiliación no será obligatoria para los artistas.

¿Y qué opinan éstos? En general, claro, son partidarios de que se reconozca su derecho a recibir una porción de las reventas de sus obras. "Yo lo defiendo por lógico", afirma Rafael Canogar. La misma opinión merece entre los artistas jóvenes. "Me parece razonable si hay gente lucrándose detrás de las reventas", señala Nicolás Combarro quien defiende, no obstante, que no se grave a las galerías que compran por primera vez a un artista aún no consagrado. Y, sin embargo, no faltan opiniones disidentes. Según el joven creador David Rodríguez Caballero, el artista no debería cobrar después de la primera venta: "Al final, eso puede crear una máquina de hacer dinero que lleva a vivir de las rentas".

Los artistas cobrarán un 4% por cada obra que se revenda por más de 1.200 euros

2008-12-18T04:16:00.000-08:00

Hasta ahora los creadores podían recibir un porcentaje, pero sólo si lo reclamaban activamente.

Originalment a El Pais
Los artistas plásticos cobrarán en España un 4% de cada reventa de una obra suya siempre que ésta supere los 1.200 euros y no llegue a los 50.000, un "canon" que irá bajando paulatinamente una vez traspasado ese umbral, según la trasposición de la ley que regula el llamado derecho de participación. Aunque la ley no se publicará en el BOE hasta enero, con su aprobación en el último Pleno del Senado -dado que el dictamen procedente del Congreso no fue modificado- se da por cumplido el requisito de aprobar la trasposición antes de fin de año para eludir la sanción de la UE, ha explicado hoy a Efe el portavoz del PP en la Comisión de Cultura del Congreso, José María Lassalle.

La obligada trasposición de la Directiva que regula el derecho de participación de los artistas plásticos en los beneficios de la reventa de sus obras fue la que alentó la ley española, que cuando comenzó su debate en octubre partía de una propuesta inicial del Gobierno de que el umbral mínimo fuera de 3.000 euros, y que su recaudación fuera obligada, lo que enfrentaba a galeristas y artistas.

Hasta ahora, el autor de una obra plástica original tenía que recibir el 3% del precio cada vez que ésta se revendiera por más de 1.800 euros pero sólo se abonaba si él o sus herederos así lo reclamaban, algo que, según las fuentes consultadas por sucedía "rara vez". A los galeristas les parecía "apropiado" que el mínimo por el que se generaran derechos de autor se subiera a 3.000 euros, mientras que para los artistas ese tope era un "desaguisado" porque dejarían de cobrar derechos el 78% de ellos, que venden por debajo de esa cantidad.

Sin solicitar

Tampoco es obligatorio, como se pretendía al principio, que el artista solicite el cobro del derecho ni que éste se solicite a través de una entidad de gestión colectiva. En el cobro de esos derechos no se incluyen las transacciones entre particulares o lo que se denominan ventas "promocionales" entre galerías y autor, y siempre y cuando la venta esté por debajo de los 10.000 euros. Ese derecho, que no tiene que ver con el que el autor tiene sobre la reproducción de su obra, se genera siempre que el primer comprador vende la pieza a un segundo antes de tres años -después de ese tiempo no hay que abonarlo- y ya, a partir de esa vez, siempre que cambie de manos.

El porcentaje del 4% irá bajando paulatinamente una vez que se traspasen los 50.000 euros y el máximo que podrá percibirse es de 12.500 euros. Tanto el PSOE como el PP han subrayado el "consenso" con el que se ha aprobado la Ley aunque Lassalle ha lamentado que les preocupa "la cesión" que se ha hecho a los nacionalistas de permitir la "territorialización y parcelación" del llamado Fondo de Bellas Artes. El PSOE, CiU y ERC han acordado que sean las Comunidades Autónomas quienes gestionen el Fondo de Bellas Artes, nutrido por los derechos de los autores no identificados.

"infinite images"

2008-12-17T14:52:00.000-08:00

Nova aplicació d'Adobe

Diari escola: Xarxes socials: Facebook

2008-12-14T06:06:00.000-08:00

Originalment a Vilaweb

Un dels fenòmens més efervescents d'internet és el de les anomenades xarxes socials, punts d'aplec d'usuaris que comparteixen amistat, interessos o afeccions.
D'aquestes xarxes socials, una de les més populars és Facebook, que es disputa l'hegemonia mundial amb MySpace, totes dues amb seu als Estats Units. Facebook fou fundada el febrer del 2004 per Mark Zuckerberg, aleshores estudiant de la Universitat de Harvard, la més antiga dels Estats Units.
Inicialment era accessible als estudiants d'aquella universitat i prou, que s'hi van afegir de seguida: si fa no fa la meitat, solament durant el primer mes de funcionament. No gaire després es va estendre a més universitats nord-americanes: Colúmbia, Stanford i Yale.
Avui Facebook és present a tot el món i compta cent vint milions d'usuaris llargs, més de la meitat dels quals externs a l'àmbit universitari. Ara mateix el creixement més notable és entre gent de vint-i-cinc anys o més.
Aquests últims mesos Facebook ha estrenat versions en una vintena de llengües, inclosa la catalana, accessible des de la primeria del mes de juny, mercès als centenars d'usuaris catalans que es van encarregar de fer-ne la traducció.

Teca

2008-12-13T08:59:00.000-08:00

Una intervenció domèstica, es tracte de col·locar tots els objectes de la casa de major a menor o de menor a major segons es doni el cas, depenent de la funcionalitat de l'espai etc, en aquest cas, l'espai és la cuina on les botelles d'oli queden a ma. per tal de que siguin més accessibles.

Copyrigth Jaume Orejuela · 2008

Cirugeda

2008-12-13T08:23:00.001-08:00

Aquí vos mostros una instantània que vaig fer de passeig per girona, es tracta d'una de les maquetes que formen part de l'exposició de l'artista Santiago Cirugeda. També vos comvido a fer una volta per la seva web,

Max Bill

2008-11-19T07:18:00.001-08:00

Resultados de b�squeda para max bill

2008-11-19T07:18:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para max bill

Resultados de b�squeda para moore henry

2008-11-19T07:15:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para moore henry

Resultados de b�squeda para wotruba

2008-11-19T07:13:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para wotruba

Resultados de b�squeda para marino marini

2008-11-19T07:10:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para marino marini

Resultados de b�squeda para giacomo manzu

2008-11-19T07:08:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para giacomo manzu

Resultados de b�squeda para germaine richier

2008-11-19T07:03:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para germaine richier

Flickr: B�squeda

2008-11-19T07:01:00.001-08:00

Flickr: B�squeda

Resultados de b�squeda para giacometti

2008-11-19T07:01:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para giacometti

Flickr: B�squeda

2008-11-19T06:58:00.000-08:00

Flickr: B�squeda

Resultados de b�squeda para mir�bronze

2008-11-19T06:57:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para mir�bronze

Resultados de b�squeda para juli gonzalez

2008-11-19T06:52:00.001-08:00

Resultados de b�squeda para juli gonzalez

2008-11-19T06:52:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para juli gonzalez

Resultados de b�squeda para otto freundlich

2008-11-19T06:51:00.001-08:00

Resultados de b�squeda para otto freundlich

2008-11-19T06:51:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para otto freundlich

Resultados de b�squeda para pablo picasso cabeza

2008-11-19T06:50:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para pablo picasso cabeza

Resultados de b�squeda para constantin brancusi

2008-11-19T06:39:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para constantin brancusi

Resultados de b�squeda para umberto boccioni

2008-11-19T06:37:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para umberto boccioni

Resultados de b�squeda para lehmbruck

2008-11-19T06:35:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para lehmbruck

Resultados de b�squeda para ernst barlach

2008-11-19T06:34:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para ernst barlach

Resultados de b�squeda para medardo rosso

2008-11-19T06:33:00.001-08:00

Resultados de b�squeda para medardo rosso

2008-11-19T06:33:00.000-08:00

Resultados de b�squeda para medardo rosso

Medardo Rosso - Wikipedia, la enciclopedia libre

2008-11-19T06:32:00.001-08:00

Medardo Rosso - Wikipedia, la enciclopedia libre

2008-11-19T06:32:00.000-08:00

Medardo Rosso - Wikipedia, la enciclopedia libre

PASAJES DE ESCULTURA MODERNA - KRAUSS, ROSALIND E. - EDICIONES AKAL, S.A.

2008-11-19T06:28:00.000-08:00

PASAJES DE ESCULTURA MODERNA - KRAUSS, ROSALIND E. - EDICIONES AKAL, S.A.

La documenta 13 ja ha començat a preparar-se

2008-11-16T09:48:00.000-08:00

documenta13 doncs ja convé mirar els bitllets d'avió que a darrera hora són mé cars.

Daniel Canogar

2008-11-04T23:55:00.000-08:00

Al final de la fiesta

2008-11-03T08:10:00.000-08:00

Al final de la fiesta ELPAÍS.com

M. Borja-Villel: "Me siento un poco como un 'disc-jockey'" | abc.es | ABCD

2008-11-03T02:35:00.000-08:00

M. Borja-Villel: "Me siento un poco como un 'disc-jockey'" | abc.es | ABCD

Welcome to Jaume Orejuela Site

2008-11-01T12:17:00.000-07:00

Welcome to Jaume Orejuela Site

piso livre

2008-11-01T11:10:00.001-07:00

piso livre, originalmente cargada por craice.

'Graffiteros' atacan el vacío de la Bienal de Sao Paulo - ELPAÍS.com

2008-11-01T06:09:00.000-07:00

'Graffiteros' atacan el vacío de la Bienal de Sao Paulo - ELPAÍS.com

Fotos inéditas de un "paisanote" llamado Picasso ELPAIS.com

2008-11-01T05:06:00.000-07:00

Fotos in�ditas de un "paisanote" llamado Picasso � ELPA�S.com

Jeff Koons

2008-10-24T02:24:00.000-07:00

Doris Salcedo

2008-10-14T23:57:00.000-07:00

Treballs d'Anthony Gormley

2008-10-14T03:52:00.000-07:00

Angel of the North

Zero Degrees

Oslo Holocaust Memorial 2000, Oslo, Norway

Broken Column

Domain Field

Asian Field

Allotment (1997)

Bollards

Another Place (Un Altre Lloc)

2008-10-14T03:41:00.000-07:00

Another Place (Un Altre Lloc)
Anthony Gormley
1997
Fossa de ferro
100 elements / 189 x 53 x 29 cm

Una proposta per al Wattenmeer, Cuxhaven, Alemanya despres a Stavanger, Noruega De Panne Beach, Bèlgica i finalment de forma permanent a Crosby Beach, Merseyside, Englaterra,

La proposta
Instal·lar un centenar de figures de fosa de ferro sòlid per tota la costa des de l'oest al sud de la Kugelbake. El treball ocuparà una àrea de 1,75 quilòmetres quadrats, amb les peces col·locades entre 50 i 250 m una de l'altre al llarg de la tideline i un quilòmetre cap a l'horitzó, al qual tots s'enfronten. Depenent de nivell de la terra, l'estat de la marea, les condicions meteorològiques i l'hora del dia el treball serà més o menys visible. Les escultures s'instal·laran en un nivell pla fixat a dos metros de d'acer vertical soterrats. Els més propers a l'horitzó estaran a la sorra, els que estiguin prop de la vora estaran progressivament enterrats. En aigües altes, les escultures seran totalment visibles i quan la marea sigui baixa seran submergides fins al coll.

Les escultures estan preses a partir de motlles del meu cos (protegit per una fina capa d'embolcall de plàstic) entre el 19 de maig i el 10 de juliol. Les escultures són totes d'en peu, amb els pulmons més o menys plens d'aire i el desenvolupament de les seves postures són de diferents graus de tensió o de relaxació.

Proposta original, 1995
La idea era posar a prova el temps i la marea, la quietud i el moviment, i d'alguna manera comprometre's amb la vida quotidiana de la platja. Això no va ser un exercici d'escapisme romàntic. L'estuari de l'Elba pot ser transitat per fins a 500 vaixells al dia i l'horitzó és ocupat sovint amb grans vaixells-contenidors.
Al final, la peça s'estenia per 2,5 km de la costa i 1 km del mar, amb una distància mitjana entre les peces de 500 metres. Estaven totes al mateix nivell i les més properes a la costa van ser enterrades a l'altura dels seus genolls.

Ara definitivament erigit a la Platja de Crosby, Anglaterra, havia de ser traslladat als Estats Units el novembre de 2006, però hi va haver una proposta de mantenir el treball a Crosby. I es va comunicar recentment al diari l'Herald Crosby, que les figures podien romandre durant una dècada. A una reunió celebrada el 7 de març de 2007, el Sefton Council va acceptar la proposta de que les escultures es mantinguessin permanentment a la platja de Crosby.

Detalls
L'escultura es compon de 100 figures de ferro colat que s'enfronten al mar, distribuïts al llarg del tram de la platja de 3,2 Km. Cada peça fa 189 cm d'alçada i pesa al voltant de 650 kg.
En comú amb la major part de la l'obra de Gormley, les peces són rèpliques del propi cos de l'artista. Amb les marees (pujada i baixada), les peces sorgeixen i es submergeixen en el mar. Les Peces van ser realitzades a Joseph i Jesse Siddons Fooundry a West Bromwich.
"Another Place" s'exhibeix per primera vegada a la platja de Cuxhaven, Alemanya el 1997 i després a Stavanger a Noruega i a De Panne, a Bèlgica.

Recepció del públic a Crosby
"Another Place" és un tema de controvèrsia a Crosby. Alguns consideren les estàtues com a "pornogràfiques" degut a la inclusió d'un penis a les estàtues, mentre que d'altres ciutadans veuen belles peces d'art que han causat l'augment dels ingressos del turisme a la zona.

Originalment les estàtues haurien d'haber estat reubicades el novembre de 2006. Les estàtues no representen un problema de seguretat sobretot perquè el port esportiu local està tancat a l'ús públic. Si bé aquest port esportiu vol desfer-se de les estàtues, mantenir-les fins l'any 2008 serà sens dubte beneficiós per a l'economia de Crosby i Waterloo.
Els amants de l'art i les empreses locals estan pressionant perqué aquestes estàtues quedin de forma definitiva. Gormley mateix diu que està d'acord amb la proposta de mantenir les estàtues a Crosby, i diu que l'actual ubicació és "ideal".

Les obres, que havien estat mostrades anteriorment a Alemanya, Noruega i Bèlgica, es va convertir en una important atracció turística a la platja prop de Crosby a Liverpool.
El març de 2007 es va concedir permís a "Another Place" per ser instal·lat permanentment a Crosby.

Inicialment, les autoritats guardacostes expressaren els temors per manca de seguretat, dient que la gent podria arribar enfonsar-se a la sorra i morir ofegada per la marea a l'hora de na a veure aquestes peces.

Els conservacionistes també es van queixar de que les aus i les seves zones d'alimentació podrien ser agredides per la pujada de visitants a la zona.

L'octubre de 2006, l'ajuntament va denegar el permís a Gormley. Ell va dir que "Quan se m'ha avall a la platja jo, la majoria de les persones que s'han intrigat, divertit, de vegades molt mogut", va dir [5].
Un altre Òrgan Lloc Ltd, un organisme creat per la campanya d'instal · lació permanent, va ajudar a convèncer al Consell per canviar la seva ment.
Graham Haywood, director executiu del Consell d'Sefton, va dir en una declaració "Malgrat certa controvèrsia, aquesta obra d'art de renom internacional ha despertat pública nacional i internacional i els mitjans de comunicació de suport". Dir que "L'Home de Ferro han posat Crosby i Sefton fermament en el centro de atenció i la reacció en cadena beneficis d'aquesta hauria de deixar sentir en els propers anys." [6]
El Comitè de Planificació va decidir desplaçar a 16 de les estàtues de nou fora d'una zona utilitzada per petites embarcacions de vela. Altres tres estan sent re-situat fora de les zones d'alimentació d'aus. El treball dels 16 es va iniciar el 16 de juliol de 2007 i el pla és posar en l'emmagatzematge i retorn en 2008. El cost total s'espera que 194.000 lliures esterlines que seran pagats per un altre lloc Ltd, amb finançament procedent de fonts, entre elles el Camí del Nord i Nord oest de l'Agència de Desenvolupament [7].
Al 14 de febrer de 2008, cinc de les estàtues es van utilitzar en un projecte de disseny de vestuari per la vora Hill estudiants de la Universitat. Es tractava de vestir les estàtues en diversos temes de la reproducció de les peces de vestir i vestits diferents períodes, que després van ser expulsats com la marea va arribar in

Breu biografia d'Anthony Gormley

2008-10-13T11:33:00.000-07:00

Portrait, originalmente cargada por Desmo Dave.

Antony Gormley va néixer a Londres el 1950. Al final d'una llicenciatura en Arqueologia, Aantropologia i Història de l'Art, Trinity College, Cambridge, va viatjar a l'Índia per tornar a Londres tres anys més tard a estudiar a l'Escola Central d'Art, Goldsmiths College i l'Escola Slade d'Art.

En els darrers 25 anys Antony Gormley ha revitalitzat la imatge humana en l'escultura a través d'una investigació radical del cos com un lloc de la memòria i la transformació, utilitzant el seu propi cos com a subjecte, eina i material. Des de 1990 ha ampliat la seva preocupació per la condició humana d'explorar el cos col·lectiu i la relació entre el jo i l'altre a gran escala com les instal·lacions Allotment, Critical Mass, Another Place, Domain Field, i Inside Australia. El seu recent treball cada vegada més s'involucra amb els sistemes d'energia, camps i vectors, en comptes de massa i volum definit, evident en obres com Clearing, Blind Light, Firmament and Another Singularity.

El treball d'Antony Gormley ha estat exposat àmpliament, amb exposicions individuals a tot el Regne Unit en llocs com ara la Whitechapel, la Tate i les Galeries Hayward, el British Museum i White Cube, i internacionalment en museus incloent el Museu de Louisiana a Humlebaek, la Galeria Corcoran d'Art a Washington DC, el Museu Irlandès d'Art Modern de Dublín, i el Kölnischer Kunstverein a Alemanya. Blind Light, una important exposició del seu treball, es va celebrar a la Hayward Gallery al 2007.

Ha participat en importants mostres col·lectives com la Biennal de Venècia i la Documenta 8 de Kassel. El seu treball ha recorregut Amèrica, Europa i Àsia. Angel of North i, més recentment, Quantum de núvols sobre el Tàmesi, a Greenwich es troben entre els més cèlebres, exemples de l'escultura britànica contemporània. Una de les seves principals instal·lacions, Another Place, es manté permanentment en exhibició a la platja Crosby, Merseyside.

Va ser guardonat amb el Premi Turner el 1994 i el Premi Banc del Sud per Visual Art el 1999 i es va fer una Ordre de l'Imperi Britànic (OBE) el 1997. El 2007 va ser guardonat amb el Premi Bernhard Heilige d'Escultura. Ell és un Honorary Fellow de la Royal Institute of British Architects, Trinity College, Cambridge i Jesús College, Cambridge, i ha estat un Reial Acadèmic des de 2003.

Arte, formol y mucho dinero (El Pais)

2008-09-15T05:03:00.000-07:00

Damien Hirst llega a la madurez rico y famoso tras una infancia pobre y una juventud de alcohol y drogas

ISABEL LAFONT - Madrid - 15/09/2008

"Es increíble lo que se puede hacer con un suspenso en arte en Selectividad, una imaginación retorcida y una motosierra", dijo Damien Hirst a modo de minibiografía durante el discurso de aceptación del Premio Turner en 1995. El artista británico se hizo con el galardón, el más importante del arte contemporáneo, con Madre e hijo, Divididos, una escultura consistente en una vaca y un ternero, diseccionados, y encerradas, cada una de sus mitades, en tanques de formol.

Para entonces, el escándalo ya le precedía. En 1991, Hirst se había hecho célebre en todo el mundo con un tiburón tigre de cinco metros suspendido en un tanque de formol, una pieza titulada La imposibilidad de la muerte en la mente de alguien vivo. Hirst siempre ha tenido un don para los nombres. Y para los números.

El escualo marcó el principio de una carrera hacia el estrellato que ha convertido a Hirst en uno de los tres artistas vivos más caros -los otros dos son Jeff Koons y Lucien Freud-, en una cotizada imagen de portada con estatus equiparable al de las estrellas del rock -ha sido la última de la revista Time- y en un individuo extraordinariamente rico.

Según Frank Dunphy, un antiguo contable de artistas circenses que Hirst contrató hace unos años para que llevara sus finanzas, el patrimonio del artista podría ser de 1.000 millones de dólares (705 millones de euros). Eso significaría que Hirst es dos veces más rico que Mick Jagger o Elton John. Hoy tiene nada menos que seis estudios por todo el Reino Unido en los que trabajan 120 personas. Una auténtica factoría.

Un sueño hecho realidad para un chico nacido en Bristol en 1965 y criado por su madre -Hirst nunca conoció a su padre- en un barrio pobre de Leeds. Delincuente juvenil -fue detenido en dos ocasiones por robar en tiendas-, trabajó en la construcción durante dos años antes de ser admitido en el Goldsmiths College, donde se graduó en 1989.

Un año antes, Hirst organizó una exposición con obras suyas y de sus compañeros, Freeze. Allí recibió la visita providencial de Charles Saatchi, magnate de la publicidad reconvertido en coleccionista de arte y verdadero hada madrina de Hirst. El artista participó en la primera exposición de la galería Saatchi en 1992, junto con Sarah Lucas, Mark Wallinger y Rachel Whiteread, convirtiéndose en el portaestandarte de una generación de artistas conocidos ya como Jóvenes Artistas Británicos, una marca acuñada por el sagaz publicitario.

Los noventa fueron los años locos del despegue de Hirst: se presentó internacionalmente en la Bienal de Venecia de 1993; ganó el Turner dos años después; formó Fat Les, un grupo de música con Alex James, de Blur, y el actor Keith Allen; en 1999 rechazó participar en la Bienal de Venecia... Fueron tiempos también de alcohol y cocaína, en los que los excesos públicos de Hirst eran bien conocidos por los habituales del Groucho Club del Soho londinense.

Desde 2002, el artista está sobrio y, casado con la californiana Maia Norman, con quien tiene tres hijos -Connor, de 13 años, Cassius, de 8, y Cyrus, de 3-, hoy pasa la mayor parte del tiempo en su granja de Devon. Al mismo tiempo que su vida se ha estabilizado, su caché se ha multiplicado exponencialmente. Si Saatchi compró en 1992 La imposibilidad física... por 50.000 libras (62.938 euros), en diciembre de 2004 lo vendía al multimillonario financiero estadounidense Steve Cohen por 12 millones de dólares (8,4 millones de euros).

El año pasado se sacó de la chistera una calavera chapada en platino con 8.601 diamantes engastados. La pieza, llamada Por el amor de Dios, fue vendida a un consorcio de inversores, según dijo Hirst, por 100 millones de dólares (71 millones de euros). Aunque luego se supo que en tal consorcio participan el propio artista, Dunphy y Jay Jopling, propietario de White Cube, su galería en Londres (Larry Gagosian es su marchante en Nueva York).

A sus 43 años, Damien Hirst no está dispuesto a dejar de ser un enfant terrible. Su última vuelta de tuerca ha dejado con la boca abierta al mundo del arte. Entre hoy lunes y mañana martes se subastarán 223 obras nuevas suyas en Sotheby's. Es la primera vez, desde que la casa de pujas se fundó en 1744, que pondrá en el mercado obra nueva de un artista vivo directamente al público.

Con esta maniobra, Hirst volatiliza la comisión de sus galeristas, que suele ser del 50% del precio de venta de las obras. "Si alguien hace dinero, que sea el artista", declaraba Hirst recientemente al diario The Guardian. "Existe esa idea de que no eres un verdadero artista si ganas dinero, si no te estás muriendo de hambre en una buhardilla y tienes agujeros en los vaqueros. Pero yo, Warhol y Picasso nos ocupamos de los aspectos comerciales del arte. Goya, Rembrandt, Velázquez, todos ellos, pensaban en los aspectos comerciales de su trabajo". En total, los 223 lotes podrían generar unos ingresos de 65 millones de libras (82 millones de euros).

La pieza más importante de la subasta, El becerro de oro, es un ternero charolés de 18 meses encerrado en una urna de formol colocada sobre un pedestal de mármol. Las pezuñas, los cuernos y la aureola del ternero son de oro macizo y la urna está chapada en el mismo metal. Su precio estimado es de entre 8 y 12 millones de libras (entre 10 y 15 millones de euros). "Todo lo que uno hace es un autorretrato. Hasta cuando se limpia el trasero", decía Hirst hace unos meses durante una entrevista con el periodista Charlie Rose en su programa de la cadena estadounidense PBS. El ternero es, sin duda, el más logrado.

"DISIDANCES" de Nancy Spero al Macba fins el 24 de setembre (Castellà)

2008-09-13T08:05:00.000-07:00

Imatges de l'exposició al Macba

Comprometida con colectivos antirracistas, pacifistas, y feministas, Nancy Spero (Cleveland, 1926) –quien trabajó también junto a su marido, Leon Golub– es una de las pioneras del arte feminista y de militancia política del Nueva York de los sesenta y setenta. Aunque su obra ya se ha visto en ocasiones anteriores en España, ahora el MACBA presenta una retrospectiva –comisariada por Manuel Borja y Rosario Peiró– que posteriormente viajará a Madrid y a Sevilla.

Sin duda, la obra de Nancy Spero posee una voluntad política; sin embargo existe en ella, además, una dimensión arcana, en la que los mitos y los misterios ancestrales se interrelacionan con el discurso social. Símbolos y signos de civilizaciones antiguas, jeroglíficos y elementos poéticos se mezclan con las imágenes del presente y la denuncia. Una ambigüedad –y acaso también una contradicción– que aporta una apertura más allá de lo inmediato y contingente.

La exposición, que sigue un criterio cronológico, se inicia con las Black Paintings. Se trata, en efecto, de una serie de pinturas negras, hechas de sombras y tonos oscuros. Son lienzos nocturnos, donde apenas se intuyen imágenes que no pueden ser reveladas a la luz del día. Y, de alguna manera, en esta obra está contenido todo el trabajo posterior, porque esta serie es como una caja de Pandora: expresa una angustia y una tensión que aspira a salir a la luz.

La caja de Pandora se abrirá seguidamente y aquel universo nocturno adquirirá forma. Es el momento –siguiendo el recorrido de la exposición– en que Spero, motivada por el conflicto de Vietnam, empieza a trabajar el tema de la guerra, la violencia y la destrucción. Se trata de una pintura grafitera, dirty, directa y elemental, que metafóricamente interpretamos como un desdoblamiento de las “pinturas negras”. Es un mundo abyecto en el que la artista –se ha dicho– ha introducido todo un imaginario de género poblado de símbolos fálicos, máquinas infernales y frases groseras del argot militar.

Solapándose con esta serie dedicada a la guerra, la artista introduce a Artaud. Spero emplea fragmentos de textos del escritor que hace dialogar con sus propios dibujos. Artaud es la imagen del poeta maldito, la protesta contra la sociedad, la agresividad, la locura. Artaud representa para ella un ventrículo a través del cual vehicular su propio discurso. Nancy Spero se travestiza de Artaud.

Más allá del conflicto concreto de la guerra y Vietnam, hay algo intemporal y mítico en aquellas imágenes. Alguno de los símbolos que utiliza Spero –la serpiente de varias cabezas con las lenguas fuera, por ejemplo– está inspirado en los códices medievales, y la agresividad, la violencia y el dolor que supura su obra no hace referencia sólo a Vietnam, sino que posee un carácter esencial, profundamente humano y animal a la vez. Observando la serie dedicada a la guerra no se sabría determinar quién es el verdugo y quién es la víctima. Se diría simplemente que es una violencia o una ansiedad sin nombre que lo inunda todo. Pero éste es también el caso de Artaud, en el que sadismo y masoquismo se identifican, y para quien dibujar –agujerear el papel con el lápiz en un estado de frenesí– era como infligirse heridas en el cuerpo.

Por lo demás, la referencia a Artaud nos lleva a la escritura o la poesía. Nancy Spero utiliza el papel y su forma de presentar la obra –largas tiras desplegadas– responde a la idea de libro. El discurso de la artista es mucho más complejo, pero quiero traer aquí una sugerente imagen a la luz de la cual los comisarios analizan la obra de Spero: Mallarmé. Mallarmé es el poeta de las oscuridades y lo hermético y de las chispas iluminadoras desperdigadas aquí y allá en una oscilación continua, pero también es el que introduce un nuevo concepto de poesía, entendida como imagen, haciendo uso de los vacíos en blanco y los recursos tipográficos.

En este sentido, la obra de Nancy Spero también puede considerarse como un libro extendido de poesía: extraños signos de civilizaciones antiguas conviven con otros que hacen referencia a conflictos, cuestiones de género e imágenes de hoy. Parecen flotar como las tipografías en las páginas de Mallarmé. Porque la de Mallarmé es una poesía abierta a un sin fin de evocaciones, a innumerables sentidos, como también lo es la obra de Nancy Spero, en la que acaso el discurso político se disuelve… en el arcano.

Jaume VIDAL OLIVERAS

Experiments de Flickr

2008-09-10T15:55:00.001-07:00

Cartell Sense Títol 2008

2008-09-09T07:47:00.001-07:00

Cartell Sense Títol 2008, originalmente cargada por Jaume Orejuela.

Sense títol 08 manté per cinquè any consecutiu la tradició
de mostrar una selecció qualificada de la darrera promoció
d’alumnes de la Facultat de Belles Arts.
Aquesta mostra reuneix inquietuds, recerques i exploracions
en els llenguatges de l’art que cada alumne ha desenvolupat
en el tram final dels seus estudis de llicenciatura, fent un
ús obert i polivalent dels mitjans emprats per posar en
diàleg reflexions i inquietuds intel·lectuals de darrera hora,
fins a convertir-les en les remarcables propostes que
presentem.
Els espais expositius del centre acullen el degree show,
que es desplega en tot l’àmbit de la facultat i configura,
així, una extensa mostra amb obres que han estat escollides
pels mateixos professors dels alumnes que van finalitzar
els estudis el curs passat, com una manera de destacar-
ne els millors treballs i de donar-los a conèixer en un context
acurat. El fons patrimonial de la UB, PATRIM, es nodreix
de les adquisicions escollides entre les obres exposades.
Coordinada pel Vicedeganat de Cultura, amb la implicació
de tots els departaments, l’exposició de final de carrera
constitueix l’eix d’una sèrie d’activitats culturals que hi giren
al voltant, amb la finalitat de promoure un inici de curs
actiu i una aportació d’interès per al sector cultural de la
ciutat.
Amb aquesta àmplia posada en escena dels joves creadors
acabats de llicenciar, la Facultat s’obre un cop més a la
ciutat per facilitar el contacte amb el món artístic i
professional, i per possibilitar que la comunitat artística de
Barcelona hi pugui accedir amb la finalitat d’estimular-ne
la projecció social.

Sèrie II

2008-09-09T05:30:00.001-07:00

, originalmente cargada por Jaume Orejuela.

La sèrie completa aquí

Fotografies de Carme Jarque - Expo

2008-09-08T01:33:00.001-07:00

Cartell-Carme Jarque, originalmente cargada por Jaume Orejuela.

Moviment és un projecte fotogràfic realitzat per Carme Jarque on la captació del moviment esdevé la base de la imatge. La recerca d'un resultat plàstic en la fotografia, formes que es desdibuixen, píxels que es transformen en taques de color. Una interpretació personal de la dansa on el rastre s'expressa com una peça nova en sí mateixa.

Pollença a Barcelona

2008-08-06T04:16:00.000-07:00

Soparets

2008-06-17T07:20:00.001-07:00

Doneu-li al play de joan miquel oliver i gireu les pàgines.

Joan Miquel Oliver – Hansel i Gretel

2008-06-01T14:35:00.001-07:00

obra de Jaume Orejuela està subjecta a una llicència de Reconeixement-No comercial-Sense obres derivades 2.5 Espanya de Creative Commons

Pollença a Barcelona: projecte artístic de Jaume Orejuela

2008-05-28T17:06:00.000-07:00

A veure que passa.

Imatges de Futur

2008-05-20T13:06:00.000-07:00

Forecast
Futurology
Planning

Mossegalapoma

2008-04-27T10:26:00.000-07:00

Si ets Mac, si parles català i si t'agrada saber-ho tot sobre aquest macaire món no dubteu ni un moment. A Mossegalapoma hi trobareu tot tipus d'informació, podcast molt ben realitzats i tutorials.

Si senyor!

Boris Godunov II

2008-04-18T11:26:00.000-07:00

Despres d'assistir a la preestrena d'aquesta acció, el que podria ser la meva opinió crítica queda fora de cap rite narratiu.

14 bombes, 20 terroristes, detonadors, por, tecnologia, video streaming, passamuntanyes, mala llet, un poc d'escatologia, tragèdia, terrorisme, política, menjar, sobreviure. Teatre acció.

Discoteca IV. Les primeres peces acabades

2008-04-18T08:39:00.000-07:00

Només en falten 34, Ànim Jaume!

Discoteca III

2008-04-16T15:18:00.000-07:00

Les portades

Els lits

PostQuadern Podcast

2008-04-14T11:15:00.000-07:00

Escultura sonora en 10 fragments.
Aqui tenim el podcast on s'aniràn agregant les peces

Videos a Flickr

2008-04-11T12:41:00.000-07:00

Comença una petita revolució a Flickr, pareix que s'han decidit a ser el servei social multimedia del futur. així que aqui podem veure com funciona la nova funcionalitat de la pàgina de fotografies per exel·lència. Això sí, ells anomenes els videos "fotoseqüències de 90seg.". Increïble però ja és així.

Dibuix Constructiu

2008-04-11T10:34:00.000-07:00

Dibuix Constructiu.
Estudi del dibuix a partir d'estructures constructives internes que composen un model de tridimensionalitat deixant de banda l'aspecte figuratiu i real del motiu representat.
Alguns dels referents són Cezanne, Picasso o Giacometti.

Quadern realitzat amb les imatges de Flickr

Boris Godunov

2008-04-11T08:50:00.000-07:00

Ja he telecomprat les entrades per anar a veure aquesta nova acció, obra de teatre o performance de La Fura dels Baus. Aqui vos deix amb la sinopsis i amb la imatge del cartell que parla per sí mateixa. Ja vos contaré que tal l'experiència en una nova actualització del PostQuadern.

Nou espectacle de la Fura dels Baus basat en una obra de l´escriptor rus Alexander Puixkin, al TNC
Sinopsi:
Boris Godunov, el nou espectacle de La Fura dels Baus, amb dramatúrgia de David Plana i Àlex Ollé, recupera una obra del que es considera el gran renovador de la literatura russa: Alexander Puixkin, que va escriure un relat extraordinari sobre l’ambició sense límits ni escrúpols per assolir el poder. La Fura dels Baus, però han volgut anar més enllà i abordar, en aquesta obra, el tema del terrorisme agafant com a punt de partida els fets que van ocórrer al teatre Dubrovka de Moscou, a l’octubre de 2002 durant una representació del musical Nord-Ost.
Boris Godunov és, més que una reflexió política o sociològica, la vivència des de dins d’una experiència extrema i única.
Autor: Àlex Ollé i David Plana (La Fura dels Baus)
Director: Àlex Ollé
Intèprets: Fina Rius, Cesca Piñón, Sara Rosa Losilla, Pedro Gutiérrez, Manel Sans, Oscar Rabadan, Pep Miras, Juan Olivares, Albert Prat.

H. de l'art III

2008-04-11T01:35:00.000-07:00

Interpretant a Kurt Switters

Baixar Arxius sonors aqui

Parlant de llet i música contemporania.

WOLFGANG LAIB creando Milkstone [www.logopress.es]
LOGOPRESS
10 sec - Apr 17, 2007
La obra Milkstone (Piedra de leche), que se muestra en el Museo Reina Sofía, fue realizada en 1975. Se trata de un bloque rectangular de mármol blanco pulido con una ligera depresión en su cara superior. La pieza se rellena con una delgada capa de leche creando la ilusión de una forma sólida. La obra requiere una participación casi ritual de mantenimiento diario.

Frozen Barcelona

2008-04-07T13:53:00.000-07:00

Aquest dissabte la gent se congelarà tipo nova york, paris o londres que ja ho han fet, aqui també ho varen fer i ara repetim.

Que t'apuntes?

És dissabte a la una del migdia a la plaça de Catalunya, dili als teus amics i animauvos que serà divertit com a mínim. el lloc concret aqui

un video de nova york? aqui

Discoteca II

2008-04-07T11:25:00.000-07:00

1 - JOHN CAGE
"Creo que el uso de ruidos en la composición musical irá en aumento hasta que lleguemos a una música producida mediante instrumentos eléctricos, que pondrá a la disposición de la música cualquier sonido y todos los sonidos que el oído pueda percibir. Se exploran los medios fotoeléctricos, el filme y diversas mecanismos para la producción de música"

2 - RAIMON

3 - OVIDI MONTLLOR

4 - U2

5 - MARIA DEL MAR BONET

6 - UC

7 - LA BUENA VIDA

8 - LOS PLANETAS

9 - CAMARON DE LA ISLA

10 - ALBERT PLA

11 - AMY WINEHOUSE

12 - BOB DYLAN

13 - KEPA JUNKERA

14 - JAUME SISA

15 - THE ROLLING STONES

16 - B.S.O. AIRBAG

17 - B.S.O. PULP FICTION

18 - AVION TRAVEL

19 - BIEL MAJORAL

20 - THE PRODIGY

21 - MANU CHAO

22 - HEROES DEL SILENCIO

23 - LLUIS LLACH

24 - MUCHACHITO BOMBO INFIERNO

25 - MORCHEEBA

26 - RICHARD WAGNER

27 - WILKO

28 - NIRVANA

29 - MARC KNOPFLER

30 - TONIKA OASE - SATAUBGOLD

31 - THE CHEMICAL BROTHERS

32 - PHILIP GLASS

33 - JOHN ADAMS

34 - STEVE REICH

35 - JA T'HO DIRÉ

36 - LUZ CASAL

Discoteca

2008-04-07T10:59:00.000-07:00

Preparant una peça pesada, concretament 53kl. de ferro dividit en 36 planxes de ferro de 10mm.

Mostra un mapa més gran

Mostra un mapa més gran

Aquest trajectes són els que hagut de fer carregant el material a l'esquena dins la meva meravellosa moxila "to the límit". Quan me la vaig comprar, la moxila, no pensava mai que fes tan bona feina com m'ho està demostrant. To the limit igual bona marca.

Un bon lloc per viure

2008-03-31T09:55:00.000-07:00

Lothar Baumgarten

Notícia al Macba
Notícia a El Pais

L'exposició Autofocus Retina de Lothar Baumgarten que se pot encara veure al macba fins el 15/06/2008 me serveix com a referència per explicar la perspectiva en que he realitzat aquesta instal·lació.

La proposta la faig des d'una visió antropològica, el tema central és la migració, i concretament la

PDF del projecte
VIDEO del projecte

preparant perpetrar alguna cosa

2008-03-27T10:38:00.000-07:00

Martin Creed

2008-02-28T07:52:00.000-08:00

Precedents. Minimalisme

Dan Flavin

Donald Judd

Sol LeWitt

--------------------

Martin Creed Wiki (en català)

Entrevista (en anglés subtitulat en italià)

Martin Creed Official Web (en anglés)

“ L’unica cosa que crec saber és que sé que vull fer coses. Una altra apart d’aquesta és que no sé que fer. El problema és que intento fer coses sense saber el que vull fer. [...] D’aquesta manera penso que tot el que vull fer és comunicar. Crec que l’unica cosa que se és que vull fer coses per poder comunicar-me amb la gent, perque vull estar enamorat o perque vull expressarme a mi mateix. ”

-----------

“ Per a mi és emocional, és el punt de partida. Vull dir, ho faig perque vull fer alguna cosa. Penso que és un desig, m’entén, o una necessitat. Reconec que vull fer alguna cosa, i així intento fer alguna cosa. Però després aconsegeixes pensar-ho i aqui és quan comencen els problemes perque no pots ajudarte a preguntarte si és bó o dolent. Per a mi és emocional més que qualsevol altra cosa ”

Work No. 78: as many 2.5cm squares as are necessary cut from 2.5cm Elastoplast tape and piled up
adhesive sides down, to form a 2.5cm cubic stack
1993
Elastoplast tape
2.5 x 2.5 x 2.5 cm

Work No. 79: Some Blu-tack kneaded, rolled into a ball, and depressed against a wall
1993
Blu-tack
Approx. 1 cm diam

Work No. 88: A sheet of A4 paper crumpled into a ball
1995 - 2008
Paper
Approx. 5 cm diam

Work No. 200: Half the air in a given space
1998
White 12" balloons
Overall dimensions variable
Installation at Galerie Analix B & L POLLA, Geneva

Work No. 115: A doorstop fixed to a floor to let a door open only 45 degrees
1995
Doorstop

Work No. 227: The lights going on and off
2000
Dimensions variable; materials variable
Installation at The Museum of Modern Art, New York
Veure a la Web

Work No. 503
2006
35mm fiilm transferred to DVD

Work No. 615
2006
Installation at SCAPE 2006 Biennial of Art in Public Space, Christchurch, New Zealand Instal·lació Plantes

Work No. 701
2007
Nails
1", 1 1/2", 2", 2 1/2" 3", 4", 5", 6"

Dinar de mallorquins exiliats a Barcelona

2008-02-24T04:31:00.000-08:00

Aqui sortim molt guapos tota una vintena de mallorquins que ens varem reunir ahir per anar a dinar a al Parc de Vallvidrera un entorn natural difícil de concebir tan prop de l'urbe de Barcelona. Allà varem riure molt, varem xerrar de moltes coses i sobre tot varem menjar així com toca, coques de prebes i de verdures, panades, llengonisses i sobrassades amb vi i herbes dolces. Aqui tenim un perell de fotografies més de la diada.

Mirau quin llibret més xulo

2008-02-21T11:41:00.000-08:00

Land Art

2008-02-21T04:00:00.000-08:00

Recull fotogràfic duna intervenció a l'espai natural

Anthony Gormley - "Blind Light" (Luz Ciega)

2008-02-12T05:51:00.000-08:00

Pàgina de l'artista (en anglés)
Biografia Wiki

A Crosby, una platja de Mereyside al norest d'Anglaterra hi ha 100 escultures de Gormley instal·lades de manera permanent, tot i que en principi era temporal.
També es pot veure l'altra instal·lació "Event Horizon" (event a l'horitzó) que serveix per promocionar l'exposició al South-Bank. Consisteix en 20 escultures de ferro que s'han instal·lat a les taulades d'edificis públics a Londres
Fotografies de la seva obra

Com a intervenció efimera ha fet Waste Man (Home Basura) que està realitzat amb objectes de rebuig despres de la mostra es va cremar. Aqui podem veure un parell d'imatges sobre l'acció.

South-Bank de Londres.
Màquines d'humitat fan que els cubs de 8 per 10 metres quedin plens de boira. El que imposibilita l'orientació de l'espectador

Fotografies Blind-Light

Dalt Vila

2008-02-05T08:40:00.000-08:00

Laboratori del Caos

2008-02-04T08:41:00.000-08:00

Teoria del caos Wiki

Edward Lorenz

Benoît Mandelbrot

Fractal

El Raval

Cala d'Hort

2008-01-31T14:37:00.000-08:00

Ametllers florits a Eivissa

2008-01-30T10:26:00.000-08:00

Les taques de blanc al paisatge eivissenc són persistents a aquesta època de l'any, són dues setmanes en què els ametllers semblen nevats. Aquestes minivacances ens han servit per pintar un poquet i fer moltes fotografies.

D'ON VÉ L'HEDONISME D'AVUI?

2008-01-29T06:50:00.001-08:00

D'aquí

Parc de la Ciutadella

2008-01-23T12:58:00.000-08:00

Palau Reial

2008-01-23T12:45:00.000-08:00

Sense Títol

2008-01-13T17:24:00.000-08:00

Quan vaig començar fa 4 mesos l’assignatura de Talla II, amb els professors Jordi Vila i Jaume Vallverú, no tenia molt clar quin tipus d’obra seria la següent en veure la llum. Els professors ens van dir que l’escultura amb la que haviem de treballar havia de tenir en el seu procés i de forma protagonista la Talla.
Em vaig possar a enllestir el procés de treball tenint només en compte aquesta pauta, o sigui la talla. El resultat o la conclusió a la que vaig arribar va ser fer una peça en la que el procés de talla es portés al maxim i intentar sobrepassar el limits possibles. Durant 7 sessions de treball al taller d’escultura em vaig veure afectat per un problema que més endavant comentaré més seriosament i que ara no ve al cas desenvolupar però sí esmenar, és el cas “Mariano”. Sí, el mestre de taller, em va fer passar mala vida. Ho esmeno perque ha format part del la meva vida al taller durant aquest mesos. Com deia, ja des de la primera sessió de gravació, de forma sistematica el Mariano feia el possible per desencoratjar-me en el meu intent de transpassar el meu esforç una obra que tenia un clar final, la desaparició. Cada sessió havia de ser de 120 minuts. Minuts que eren els necessaris per enregistrar amb imatges una cinta Mini-HD. En total surten unes 14 hores de gravació que mostren el procés. Ara és el moment a animar-vos a visitar la següent adreça web on podeu veure una pel·lícula de 7 minuts on es re-sumeix tota l’acció http://videoart.vodpod.com.
Com a resultat de la creació d’una peça primitivament escultòrica ens ha quedat el buit, el no ser, representat a un document videogràfic que constata la seva existència i provoca la contradicció. A partir d’aqui cada individu ha de perpetrarse de la seva pròpia experiència estètica per contradir el meu discurs. Intentant assimilar de la millor manera possible, 7 minuts de permanència existencial.
Procuro fer bé aquesta dissecció teòrica diguent que el resultat final de l’acció es veu eclipsada pel procés de treball mateix, cosa que no soc capaç d’assumir com a creador però sí com a possible espectador.
Un altre concepte a tenir en compte a l’hora d’analitzar aquesta acció escultòrica és el terme de visibilitat. Allò que és visible és allò que es pot percebre amb l’aparell visual de cada un.
Aquesta obra no és perceptible per la vista. Així explicat pot resultar un tant extrany però tenint en compte altres formes artístiques com per exemple la música es pot tenir una visió més aclaridora. La música és l’expressió màxima de l’abstracció ja que no es percebuda per la visió, pel tacte ni per l’olfacte. És la més inmaterial de les arts.
Aquesta obra és, perque no dir-ho? un treball sobre la reflexió de l’art. Sobre el que és i no és art. Un treball teòric sobre qüestions materials.
També a una altra assignatura que s’anomena Actituts Interdisciplinàries, em treballat sobre aquest aspecte més conceptual de l’art. També a la conferència inaugural del curs acadèmic 2007-2008 a càrrec de l’artísta Ignasi Aballí va tractar el tema de la no obra o el que és el mateix fer coses per no haber de fer res.
Tot això que vos vaig contant é una aproximació raonada de l’obra i no resulta fàcil per mí transcriure els pensaments que per mí són la substància que soporta l’art. Les conclusions que aquí he mostrat m’han servit per obrir debats i engendrar discursos entre els meus companys de facultat així com també ho espero ho faci entre vosaltres mateixos.

Noticia

2008-01-08T13:37:00.000-08:00

Noticia de l'exposició de "Exclòs de préstec N1" a la Biblioteca de Belles Arts.

"Flors" en procés des del 27 de juliol de 2007

2007-12-28T05:45:00.000-08:00

El procés de creació d'aquesta obra està determinada pel ritme que s'extreu de la netetja diaria de la pistola del Taller de Pedro Serra a Pollença. Els materials que s'utilitzen poden ser tant sintètics com acrílics. A la imatge apareix el color actual.

Exclòs de Prestec Nº1

2007-12-20T08:33:00.000-08:00

Avui dia 20 de desembre ha quedat instal·lada a la Biblioteca de la facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona la peça anomenada "exclòs de prèstec Nº1".

La reacció de la gent que treballa a la biblioteca ha estat una de les coses que més m'han emocionat i així els hi agraeixo el seu entusiasme.

Els llibres utilitzats per formar part d’aquesta obra són el resultat d’una selecció feta al 2005 per tal de traslladar-los des de Mallorca a la ciutat de Barcelona on l’autor havia de comenar els estudis de Belles Arts a la UB.

Tal volta pel meu interés cap als llibres o per l’intent de resumir en una obra tots els pensaments tècnics i teòrics que envolten la meva persona respecte l’Art, he realitzat una obra que intenta sintetitzar les formes acostant-me a l’abstracció. També he intentat representar el disseny dels lloms de cada llibre tenint en compte les característiques pròpies de cada tipografia i els espais proporcionals entre elles.

Les tècniques que s’han utilitzat per realitzar aquesta obra són varies. Per un costat hi ha la talla tradicional on s’han emprat per aquest ordre la màquina de disc, el martell pneumàtic, la pulidora i finalment el paper de vidre. Per un altre costat hi ha la litografia, que consisteix en l’erosió de la pedra. Aquesta tècnica pertany al terreny del gravat pròpiament dit i és el resultat d’exposar la pedra calcàrea als acids que la poden agredir.

Des d’un punt de vista estrictament escúltoric la peça és absenta i la col·locació a una estanteria és part del procés conceptual que envolta la poètica de l’obra a posteriori.

Exclòs de prèstec Nº1, Part 1/3

2007-12-14T14:03:00.000-08:00

Quan creus que ja s'acaba torna a començar.
Per fí he començat a gravar. La biblioteca comença a estar conformada. La instal·lació de l'obra a la Biblioteca de la facultat de Belles Arts li donara un sentit més enlà del sentit privat que té per mi.

Hi ha gent que dedica sessions

2007-12-06T04:24:00.000-08:00

Bloc de l'artista Salvador Juanpere aqui

Estudi de l'Espai

2007-12-04T14:45:00.000-08:00

Juntament amb la R.G. el J. G. i l'A. P. he confeccionat una enqüesta sobre l'hambit públic. Intentem avaluar quins espais estan més o menys preparats per ser ocupats per una o més persones.